Seis episodios del arte en Latinoamérica desde la Colección del Banco de la República

La Colección de Arte del Banco de la República se inició en 1957 a partir del Salón de Arte Moderno presentado en la Biblioteca Luis Ángel Arango en aquel año donde la particularidad con algunas obras de la muestra artística se relacionó con su inherencia a la evolución del arte en América Latina. En abril de 1960 se recibieron dos obras donadas por Julio Alpuy, artista uruguayo y en noviembre de ese mismo año se compró la obra “Cabeza de hombre llorando” del artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín. La constitución de obras en la colección está ligada a su datación histórica, a diversas escuelas y tendencias, cuya misión es conformar un grupo heterogéneo. Para la década de 1990 se integraron a la compilación de arte, el legado del crítico de arte polaco Casimiro Eiger y la donación hecha por Fernando Botero, compuesta por obras hechas por artistas europeos y americanos. Con esta adquisición y otras venideras, la Colección de Arte creció significativamente y se orientó a la divulgación social y didáctica para toda clase de públicos.

La clasificación “arte latinoamericano” no es del todo acertada dada que no se adhiere a un estilo como el Barroco o a un género como el paisajismo. Cada uno de los países que conforman esta sección de América poseen diferencias culturales, políticas, sociales y geográficas muy distintas y su realidad puede diferenciarse del resto. Siguiendo esta dinámica sobre la manera genérica de denominar el arte, también se plantea el interrogante sobre los pioneros o promotores del arte en América Latina y sus bases en la modernidad. Las vanguardias europeas influenciaron las diferentes corrientes artísticas surgidas en el continente durante la primera mitad del siglo XX. Entre los pioneros del arte latinoamericano que destacaron por su contacto frecuente con Europa y adoptaron las vanguardias de este continente, se cita a Pedro Figari, artista uruguayo quien combinó lo propio con prácticas estéticas europeas; Andrés de Santa María, pintor colombiano que sentó las bases de postimpresionismo en el país; Joaquín Torres García, de Uruguay que adoptó el constructivismo a la cultura nativa uruguaya, Emilio Pettoruti de Argentina quien presentó el cubismo y el futurismo en el ámbito artístico de este país y Armando Reverón, artista venezolano quien practicó el paisajismo de manera novedosa.

En cuanto a la adaptación de la tradición, la cultura y las bases nativas y raizales en América Latina, México destacó por su influencia en el resto de países. Géneros como el muralismo mexicano llamaron la atención por su interpretación de la identidad nacional, por tomar como referente a indígenas, campesinos y obreros y por sacudir las bases del arte académico clásico y conservador. A medida que avanzaba el tiempo, específicamente en la década de 1960, dos artistas mexicanos: Rufino Tamayo y José Luis Cuevas y una crítica de arte argentina: Marta Traba, enfrentaron el dominio del muralismo mexicano en Latinoamérica. La ruptura generada por esta iniciativa crítica dio paso a nuevas corrientes neovanguardistas como el surrealismo, el constructivismo y el cubismo latinoamericano. En ese mismo decenio se dio el quiebre del arte tradicional y la inclinación por corrientes internacionales como el arte pop y el arte cinético. Esta inspiración novedosa para aquel momento va a reemplazar el dominio europeo por el norteamericano. Entre las nuevas técnicas estudiadas y practicadas en su momento por numerosos artistas se destacan la abstracción geométrica, principalmente en Venezuela; el cinetismo y la fenomenología de la luz en Argentina y la dimensión espacial en Brasil.