PROGRAMA
JESÚS TORRES (n. 1965)
Pentesilea (2017)
MARIUS DÍAZ (n. 1985)
Abracadabra (2022)
FABIÁN PANISELLO (n. 1963)
À5 (2017)
ISRAEL LÓPEZ ESTELCHE (n. 1983)
Hidden dances (2016)
INTERMEDIO
ARNOLD SCHÖNBERG (1874-1951)
Pierrot Lunaire (1912)
ACERCA DE LOS ARTISTAS
PluralEnsemble
Director: Fabián Panisello
Johanna Vargas, soprano
Sofía Salazar, flauta
Antonio Lapaz, clarinete
Duncan Gifford, piano
Guillermo Santoja, violín/viola
Michal Dmochowski, violonchelo
PluralEnsemble es un conjunto especializado en la música de los siglos XX y XXI fundado por Fabián Panisello, su director titular. Buscando siempre la más alta calidad interpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras nacionales e internacionales, alternando el repertorio más relevante del siglo XX con estrenos. Desde 2009 desarrolla el Ciclo de Conciertos Fundación BBVA de Música Contemporánea. A lo largo de su trayectoria, se ha presentado con gran éxito de crítica y público en los principales festivales internacionales especializados, como son New Music Week de Shanghai, Sound Ways de San Petersburgo, Musica de Estrasburgo, Atempo de Caracas, Présences de París, Ars Musica de Bruselas, Manca de Niza, Spaziomusica de Cagliari, Aspekte de Salzburgo, IFCP Mannes de Nueva York, el Festival de Música de Alicante, la Quincena Musical de San Sebastián, el ciclo de la WDR de Colonia, Nous Sons del Auditori de Barcelona, el Festival de Otoño de Varsovia, Ultraschall, Konzerthaus de Berlín y Klangspuren Schwaz de Tirol, entre otros.
Ha colaborado con artistas de la talla de Peter Eötvös, Salome Kammer, Cristóbal Halffter, Marco Blaauw, Jörg Widmann, Dimitri Vassilakis, Nicholas Isherwood, Holger Falk, Alda Caiello, Allison Bell, José Manuel López López, Nicolas Altstaedt, Zsolt Nagy, Jon Ketilsson, Pablo Márquez, Charlotte Hellekant, Matthias Pintscher, Hansjorg Schellenberger, Tadeusz Wielecki, Lorraine Vaillancourt, Natalia Zagorinskaya, Peter Csaba, Johannes Kalitzke, Hilary Summers o Toshio Hosokawa, entre muchos otros. Ha realizado numerosas grabaciones para diversas emisoras de radio europeas, así como grabaciones discográficas para los sellos Col legno, Columna Música, Verso, Cervantes, IBS y NEOS.
Fabián Panisello, director
Fabián Panisello (Argentina/España) reúne las facetas de compositor, director y profesor al más alto nivel. Fue director académico y decano de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, desde 1996 hasta 2019, y actualmente es catedrático de Composición en dicha institución. Además, colabora como profesor invitado periódicamente en otras instituciones superiores, como la Royal Academy of Music de Londres, la Peter Eötvös Contemporary Music Foundation de Budapest, la Jerusalem Academy of Music and Dance y el China Conservatory de Pekín. Se formó en composición con Francisco Kröp en Buenos Aires y Bogusław Schae#er en el Mozarteum de Salzburgo, y con Peter Eötvös en dirección. Su música, «llena de ideas, intensa y rebosante de energía» (Stockhausen), destaca por su fuerza motriz, lírica, dramatismo, refinamiento armónico y expresividad. Su obra ha sido interpretada por el Cuarteto Arditti, Ensemble Modern y orquestas como la Orquesta y Coro Nacionales de España, la BBC Symphony Orchestra, la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, la SWR Symphonieorchester, la Orquesta Sinfónica RTVE y laTonkünstler Orchester, entre otras. En los últimos años, se ha centrado en la composición de óperas como Le Malentendu y Les Rois Mages, presentadas en Viena, Niza, Berlín, Buenos Aires, Tel Aviv y Madrid; o Die Judith von Shimoda, encargo del Bregenzer Festspiele y nominada como mejor estreno de 2024 en el Österreichischer Musiktheaterpreis. En 2025, fue compositor residente del Grafenegg Festival. Durante la última temporada, estrenó su Concierto para trompa con Radovan Vlatkovic y la Orquesta Sinfónica RTVE, Seven Japanese Sketches con Ramón Ortega y el Amaryllis Quartett, y Written in blue con Manuel Blanco, Zsolt Nagy y la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Como XXI. Es fundador y director de PluralEnsemble, con el cual ha estrenado una gran cantidad de obras. Ha actuado en festivales como Donaueschinger Musiktage, La Biennale di Venezia, Otoño de Varsovia, Wien Modern, Présences, Ars Musica, etc. Su creciente actividad le llevó, en 2024-2025, a dirigir conjuntos como el Israel Contemporary Players o Cantus Ensemble (Croacia), y a debutar con la Tonkünstler Orchester, la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Euskadiko Orkestra y la Savaria Szimfonikus Zenekar (Hungría). Publica sus obras con Edition Peters de Leipzig.
Johanna Vargas, soprano
Johanna Vargas, soprano coloratura colombiana, encarna en su interpretación la belleza y el virtuosismo vocal, integrados con una cautivadora presencia física y escénica. Se desenvuelve con igual naturalidad tanto en contextos interpretativos tradicionales, como experimentales, así como en las exigencias de la música de cámara y del recital solista. Gracias a su versátil formación, Johanna Vargas emplea su voz con maestría en un amplio abanico de estilos. Su extenso repertorio abarca desde el bel canto hasta el jazz latino, el pop y la improvisación. Al combinar esta sólida base musical con un profundo conocimiento del teatro y la coreografía, dota a cada una de sus interpretaciones de una personalidad única. Desde muy joven llamó la atención del público y de la crítica por la singularidad y versatilidad de su voz, obteniendo diversos premios en concursos internacionales. En 2015 recibió el Premio de Interpretación Hanns Eisler en Berlín y, posteriormente, el Premio John Cage en Halberstadt y la beca del Festival NUNC!3 de la New Music Conference de la Universidad Northwestern de Chicago (2018).
En la actualidad se encuentra entre las sopranos más solicitadas para la interpretación de música contemporánea. Ha participado en numerosos estrenos de obras de destacados compositores como Georges Aperghis, Carola Bauckholt, Wolfgang Rihm, Beat Furrer, Bernhard Lang, Chaya Czernowin, Lucia Ronchetti, Hans-Joachim Hespos, Johannes Kreidler y Vito Žuraj. Desde 2019 es soprano aguda de los Neue Vocalsolisten Stuttgart y actúa regularmente en algunos de los festivales internacionales de música contemporánea más prestigiosos, como Donaueschinger Musiktage, Wittener Tage für neue Kammermusik, Eclat Stuttgart, Présences (París), Wien Modern y Tongyeong International Music Festival. Colabora habitualmente con conjuntos de referencia como Ensemble Intercontemporain, Ensemble Modern, Klangforum Wien y el Arditti Quartet, y ha actuado como solista junto a la Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de Sir Simon Rattle; la Orquesta Sinfónica MDR, dirigida por Dennis Russell Davies; y Musikfabrik Köln, bajo la dirección de Peter Rundel.
Entre 2021 y 2024 fue Artista Residente de la Fondation Royaumont (Francia). En 2022 obtuvo una residencia artística en la Cité Internationale des Arts de París junto a su conjunto Duo LAB51.
Johanna Vargas realizó sus estudios en Bogotá, Bremen, Karlsruhe y Stuttgart y entre sus principales maestros figuran reconocidos artistas internacionales como Hartmut Höll, Mitsuko Shirai, Angelika Luz y Georg Nigl. Desde 2018 forma parte del profesorado de la Hochschule für Musik Karlsruhe, en donde es docente en interpretación y performance vocal contemporánea.
NOTAS AL PROGRAMA
Por Melissa Vargas
RESUENA EL COSMOS: SISTEMAS QUE CONVIVEN
A un siglo de las preguntas nuevas en la música académica occidental, podemos reconocer borbotones de respuestas, propuestas y aportes que han transformado significativamente la forma como escuchamos, escribimos e interpretamos música. Los intercambios entre sistemas, las diferentes escuelas estéticas, nociones acerca del sonido, ontologías de la música, y diferentes herramientas técnicas y tecnológicas conviven simultáneamente en nuestro país y, a su vez, dialogan con otros escenarios que impregnan de sentido la conversación.
España hace parte de este intercambio cultural con música (¿de allá?), que suena, (¿aquí?), compuesta, ¿en dónde?, por, ¿quiénes? PluralEnsemble nos presenta un abanico de compositores que, aunque pertenecen a diferentes generaciones y geografías, están relacionados por la búsqueda constante en la creación de nuevas músicas.
Este concierto alberga un largo viaje que lleva encantamientos actualizados, con la obra Abracadabra del compositor colombiano Marius Díaz; escalas que provienen del flamenco, contenidas en Pentesilea, compuesta por Jesús Torres; danzas asomando sus cabezas desde el norte de España con Israel López Estelche en Hidden dances; obras que derivan de otras, así como los fractales que se contienen a sí mismos en À5 de Fabián Panisello y un cierre que nos regresa al inicio con la presencia vocal transformada en Pierrot Lunaire de Arnold Schöenberg.
Una vez más, somos quienes escuchamos parte de ese recorrido propuesto por intérpretes comprometidos/as con su tiempo y contexto. Sumemos nuestra sensibilidad y creatividad a este camino que reconstruye pasados para provocar ideas de futuros emocionantes.
Conexiones locales y otras magias
El prolífico compositor español Jesús Torres (n. 1965) estudió en el Conservatorio Superior de Música de Madrid; sus obras han sido interpretadas en numerosos festivales como la Bienal de Venecia, el Musikfestspiele Saar, el Présences 2000 de Radio France, el Festival de Khumo y el PRIX Italia. Torres ha recibido reconocimientos y comisiones de instituciones como el INAEM (Ministerio de Cultura), la Fundación BBVA, la Fundación Gaudeamus, la Orquesta Sinfónica RTVE y la Orquesta Nacional de España, por mencionar algunas.
En su obra Pentesilea, se percibe su ascendencia andaluza, ya que despliega un material tónico, tanto melódico como armónico, habitual en el flamenco, así como gestos que evocan e imitan otros instrumentos característicos de esta práctica. También se escuchan diferentes polirritmias1 y timbres que el compositor transforma poéticamente hasta que el flamenco es casi una alucinación: hay algo que nos suena familiar y reconocible, pero que apenas lo notamos, desaparece.
Por su parte, el compositor colombiano Marius Díaz (n. 1985) culminó su formación en Composición dramática y para ensamble instrumental en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, habiendo pasado previamente por Cuba, en donde estudió composición en el Instituto Superior de Artes (ISA). Su catálogo alberga obras para diversos formatos instrumentales, y destaca también su rol como intérprete y documentalista.
El monodrama Abracadabra (2022), para mezzo-soprano y ensamble, está compuesto a partir de un texto de la cubana Viviana Reina Jorrín, en el que la palabra (abracadabra) aparece numerosas veces. Ésta fue escrita por primera vez en un tratado médico del siglo III d. C. de Quintus Serenus Sammonicus, quien formaba parte de la corte del emperador romano Caracalla, y se decía que podía curar la fiebre. Sin embargo, para esta obra, el compositor añade un trozo más al drama, la persecución de este médico acusado de intentar asesinar al propio emperador, poniendo entonces en diálogo la tensión por la acusación y el recetario médico. Musicalmente resaltan las «citas transfiguradas de Scheherazade, de Nikolái Rimski-Kórsakov, y del ballet homónimo de Fikret Amirov»
Dentro del programa también se encuentra el compositor español Israel López Estelche (n. 1983) quien escribió Hidden dances [Danzas ocultas], una pieza enérgica que da vuelo al ritmo y que contiene el espíritu de danzas creadas dinámicamente utilizando el contrapunto tejido a métricas cambiantes de las que resultan diseños melódicos superpuestos que se pueden percibir fácilmente. Esta obra fue escrita para PluralEnsemble con el apoyo de INAEM.
López Estelche estudió composición en su país y se doctoró en Musicología por la Universidad de Oviedo. Ha escrito numerosas obras para coral, cámara, sinfónica, vocal, etc. Ha recibido premios y reconocimientos, entre ellos, la Beca Leonardo Fundación BBVA, el Premio Jóvenes Compositores Plural Ensemble, el Primer Premio ‘Xavier Montsalvatge’ SGAE- CNDM y el Premio OSPA XX años.
De lunáticos y Reyes magos
En España, la tradición precristiana del día de Reyes es una de las más especiales en el año. A grandes rasgos, la fiesta se prepara desde la cabalgata del 5 de enero, creando una gran expectativa para la llegada del 6 de enero, día en que se abren los regalos que traen los Magos y se come el famoso roscón de Reyes. El compositor y director Fabián Panisello (n. 1963) ha estudiado minuciosamente esta tradición para crear una obra dramática multimedial que lleva el título de Les Rois Mages, en la que se narra el recorrido de estos personajes capaces de navegar un desierto de estrellas expandido.
De esta pieza, que está dedicada a su hijo, se desprenden las ideas fundamentales de À5 (2017), compuesta para cinco instrumentos y dividida en tres partes. En ella se perciben pequeños cambios constantes que se replican a gran escala, explorando el pulso tanto milimétricamente, como en un sentido macro. Por otro lado, también conviven los contrastes tímbrico–tónicos que revelan un interés marcado por el espectralismo. Panisello es compositor, director y profesor. Dirigió la Escuela Superior de Música Reina Sofía desde 1996 hasta 2019, y actualmente es catedrático de composición en esta institución. Se formó en composición con Francisco Kröpfl en Buenos Aires y Boguslaw Schaeffer en el Mozarteum de Salzburgo; también estudió dirección con Peter Eötvos y recibió clases con destacadas figuras como Elliot Carter, Franco Donatoni, Brian Ferneyhough o Luis de Pablo. Ha participado en numerosos festivales de música, sea en rol de intérprete o de compositor y, durante los últimos años, su trabajo se ha enfocado en la ópera. Es el fundador y director artístico del PluralEnsemble.
Pierrot Lunaire
Medio siglo antes de crear los estudios para entender esta amplia gama de sonoridades, compositores como Arnold Schöenberg (1874-1951) ya estaban proponiendo otras maneras de estructurar la música queriendo romper con el sistema tonal que habían heredado, buscando más libertad para hacer música.
El ciclo de veintiuna canciones de Pierrot Lunaire, Op. 21 (1912), fue escrito en menos de dos meses por petición de la actriz Albertine Zehme, quien contactó al compositor justo después de su traslado de Viena a Berlín en 1911. Esta obra se inscribe dentro del ‘atonalismo’4 y está agrupada en tres ciclos breves de siete canciones cada uno. Aunque Schöenberg construye durante toda la obra una relación estructural entre la palabra hablada y la cantada5, a manera de declamación rítmica, insiste en que el carácter de cada canción se debe a la música y no al significado de estas.
La exploración de las posibilidades expresivas de la voz y de los instrumentos se realiza a partir de los poemas originales del escritor belga Albert Giraud, publicados en 1884 y traducidos al alemán por Otto Erich Hartleben; en ellos se abordan numerosos temas como amor, sexo, religión, violencia, crimen y blasfemia.
A pesar de que el mismo compositor les llama ‘melodramas’, su interpretación se convoca desde lo ligero e interior, sin exageraciones ni patetismos, invitando a una experiencia interna desde la música y el sonido.
