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Luego de 4 versiones del Congreso de Investigación en Música CIM (2015-2021), en los cuales se ha transitado por diversas cuestiones relacionadas con los modelos de investigación musical, investigación alrededor de archivos, las preguntas ¿con qué hacemos música? y ¿cómo la música transforma y se transforma? Nuevas miradas, necesidades e intereses convocan esta versión del V Congreso de Investigación en música.
La pregunta por las prácticas musicales colectivas y su significado ha tenido una importante trayectoria en distintas disciplinas que cruzan el hacer musical. Lo estético, lo artístico, lo sociológico, lo antropológico, lo cultural y lo histórico, así como la indagación desde estudios científicos, han permitido observar cómo desde los haceres musicales, se generan lenguajes de trabajo que se traducen en cimentación de comunidades, ejercicios colaborativos, networking, construcción de identidades, entre otras; que de alguna manera implican una lectura de pertenencia, interrelación y cultura común. En el contexto de experiencia musical, autores como Green (2019)[1] y Swanwick (1991), se refieren al aprendizaje y el hacer musical de manera informal y entre pares; así como la mirada de Small (1999)[2], con su idea de encuentro, que a través del concepto de musicar implica un significado de la música y una transformación de las relaciones que se generan entre los diversos actores: creadores, gestores, educadores, productores, intérpretes, oyentes, permeados por mediaciones tecnológicas e inteligencia artificial, habitando nuevos espacios y tiempos en el suceso musical. Conjuntos o agrupaciones musicales, en pequeño o gran formato, académicos, artísticos, vocacionales, ocasionales o de mayor permanencia, existen y mutan. Estas modificaciones se han ido evidenciando en la historia de la cultura, hasta las “discontinuidades y modos de hacer música”[3], cambios de hábitos y de vida cotidiana que sucedieron a partir del confinamiento generado por la Covid-19.
INVITADO CENTRAL
Sergio Ospina Romero (USA – Colombia)
Profesor de musicología de la Universidad de Indiana. Investigador sobre tecnologías de grabación y reproducción mecánica del sonido, el jazz, y la música popular de América Latina. Autor de los libros Dolor que canta (ICANH, 2017) y Fonógrafos ambulantes, así como de artículos para revistas y libros internacionales. Pianista y director de Palonegro, ensamble de música latinoamericana y jazz latino, con el que grabó el álbum Two Minutes Apart.
EJES TEMÁTICOS:
- Creación e interpretación:
A través de la historia, los retos enfrentados por los músicos han sido repetidos y respondidos uno a uno, generación tras generación. Desde la publicación de partituras o los primeros fonogramas, al temor por el futuro de esta profesión que siempre ha estado en la palestra. Han ocurrido múltiples epidemias, guerras (civiles y comerciales), cambios de mercado, cambios de pensamiento y en la actualidad la academia parece el único lugar donde podemos pensar en cuál es el futuro real, alejado del consumismo y la masificación, de la música como aspecto humano, de su proceso de creación y el reflejo de la misma frente a la comunicación del alma y las necesidades de cada comunidad. Por tal razón, los invitamos a presentar sus propuestas frente a la visión, ejercicio y práctica que afrontan los músicos del siglo XXI, al uso y/o competencia de las nuevas tecnologías tales como la Inteligencia Artificial, y el rol que debe tener el músico, el intérprete, el artista y el creador en medio de este periodo de cambios y adaptaciones.
Invitada: Lia Uribe (USA- Colombia)
Directora y profesora asociada de la Universidad de Arkansas. Músico de cámara, orquestal y artista-maestro. Ha actuado y enseñado en escenarios y festivales a nivel internacional. Integró el subcomité de Diversidad, Equidad e Inclusión de la International Double Reed Society, pertenece al Lyrique Quintette con quienes grabó el disco "Llegadas y salidas: Música de las Américas". Investiga sobre compositores latinoamericanos, latinos e históricamente marginados y subrepresentados.
- Patrimonio, memoria y territorio:
La música en Colombia contiene una amplia gama de expresiones propias de un país pluriétnico y multicultural, que reflejan las experiencias e identidades de quienes confluyen en ella y desempeñan un papel importante en la conservación de la memoria cultural, colectiva y la construcción del patrimonio. El hablar de pluralidad y multiplicidad, se refiere a la posibilidad de crear espacios de diálogo, estéticos, formales y expresivos, que permiten llegar a acuerdos musicales con la riqueza del consenso de los valores sociales y culturales de las comunidades y los territorios. Invitamos a presentar sus experiencias e indagaciones, a través de temáticas como: la conservación de las expresiones tradicionales, la relación de la música como patrimonio y como identidad, y las formas de conservarla, la música como patrimonio compartido, los espacios como los límites para la autenticación de estilos y culturas musicales, las relaciones entre las nuevas tecnologías y el sentido de los territorios y saberes locales, entre otros temas que ayuden a construir una respuesta al planteamiento sobre: Música ¿Mejor juntos? desde los conceptos de patrimonio, memoria y territorio.
Invitada: Carolina Santamaria Delgado (Colombia).
Docente del Departamento de Música de la Universidad de Antioquía. Maestra en Música de la Universidad Javeriana, MA y PhD en Etnomusicología de la Universidad de Pittsburgh, con certificados en Estudios Culturales y Estudios Latinoamericanos. Ha sido ponente en importantes congresos y simposios. Autora de artículos en revistas internacionales. Colabora con el Smithsonian Folkways Recordings, y participa en la Revista Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas, y la colección culturas musicales en Colombia.
- Educación musical y procesos de transformación social:
Entre muchos de los factores asociados a la educación musical y su vinculación con procesos de transformación social, está la realización de prácticas musicales en conjunto, o prácticas musicales colectivas, que abarcan desde el quehacer en la vida cotidiana de una comunidad hasta las altas elaboraciones de músicas instrumentales o vocales con carácter sinfónico. Estos ejercicios que incluyen el disfrute del musicar (Small, 1999), la práctica musical en la escuela como elemento cohesionador (Bresler, 2004), los procesos de aprendizaje de músicos en contextos informales (Green, 2019), así como múltiples proyectos desarrollados en Colombia, en los que el conocimiento musical se construye en diversas vías: pares, profesor-colectivo de estudiantes, entre otros, dan cuenta de maneras de aprender y hacer la música, en los que trabajando “juntos” se logran aprendizajes no solo disciplinares, sino también de vida. Desde este eje temático se invita a docentes, estudiantes e investigadores a presentar sus propuestas, en este espacio de construcción en torno a la pregunta: Música: ¿Mejor juntos?
Invitada: Ruth Nayibe Cárdenas (Colombia)
Profesora titular en el programa de Licenciatura en Música de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia y licenciada en música de la misma institución. Especialista en Dirección de Orquesta de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas; Magíster en Educación de la Universidad Externado de Colombia y Máster y doctorado en Educación Musical de la Universidad de Granada (España). Es par Académico Evaluador del Ministerio de Educación de Colombia.
- Producción, gestión y circulación:
La producción en procesos artísticos musicales requiere regularmente de dinámicas de colaboración y trabajo colectivo. Desde la concepción de una idea musical hasta la fijación de un producto fonográfico o la ejecución de un performance musical suceden un gran número de interacciones entre actores diversos. Además, una vez desarrollada una propuesta musical, los procesos de circulación involucran diferentes agentes provenientes de diversas disciplinas que permiten la interacción entre artistas y público. La incorporación de la tecnología al mundo artístico actual ha permitido que en muchas ocasiones se encuentren formas de realizar sus procesos de creación y gestión de manera autónoma y solitaria, sin embargo, la naturaleza de la comunicación por medio del lenguaje musical realiza un insistente llamado a lo colectivo, a la sinergia, a lo colaborativo. Invitamos a investigadores con intereses en la producción, circulación y gestión en la música a preguntarse: Música ¿mejor juntos?
Invitado: Manuel García Orozco (USA – Colombia)
Compositor, investigador y productor musical. Con su sello Chaco World Music produjo los álbumes Ancestras de Petrona Martínez y El Orisha de la Rosa de Magín Díaz, ganadores del Latin GRAMMY® y el GRAMMY® respectivamente. Candidato a doctorado en Etnomusicología de la Universidad de Columbia. Investiga sobre el bullerengue como práctica auditiva, tradición y espacio social. Ganador, entre otros, del premio ASCAP (American Society of Composers & Publishers), el Premio de Investigación Musical de Mincultura y la Beca en Investigación Musical de la Fundación Latin GRAMMY®.
Este evento es organizado por: Universidad del Valle, Instituto Departamental de Bellas Artes, Universidad Icesi, Instituto Popular de Cultura, Banco de la República, Centro Cultural Colombo Americano y Comfandi.
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[1] Green, L. (2019) El aprendizaje de la música Pop Avanzando en la Educación Musical Traducido por María Inés Velázquez. Ediciones Morata. Madrid.
[1] Small, C. (1999). El musicar: un ritual en el espacio social. Revista transcultural de música, 4. Recuperado 28 de marzo de 2023. de https://www.sibetrans.com/trans/articulo/252/el-musicar-un-ritual-en-el-espacio-social.
[1] Sarmiento, A. y Silenzi, M. B. (2022). Habitar en red: un estudio sobre prácticas musicales colectivas. AVANCES, (31), Recuperado de: https://revistas.unc.edu.ar/index.php/avances/article/view/37690.
